Ernán López - Nussa - HABANA REPORT

Legendaria agrupación cubana que fue ideada por el famoso pianista cubano Ernán López-Nussa. En Habana Report se fusionan elementos populares, clásicos y jazzísticos con un componente esencial: el sabor. Este proyecto cuyo marco conceptual se centra en exaltar los vínculos originales entre la música tradicional cubana con la de New Orleans, ha contado con excelentes músicos y leyendas de la música cubana como el fallecido Tata Güines, Pancho Terry y el gran Changuito.

Ernán López-Nussa
Sobresaliente pianista y compositor, nacido el 10 de septiembre de 1958. Este músico tuvo una rigurosa formación académica, estudió en el Conservatorio Amadeo Roldán y en el Instituto Superior de Arte.

Ernán López-Nussa tiene la excepcional capacidad de fusionar elementos distintos del complejo espectro sonoro de la música universal a través de un lenguaje contemporáneo. Su musicalidad se extiende desde los clásicos de la academia, lo popular nacional y el latin jazz.

Desde 1977 es pianista de Afrocuba, agrupación cubana que acompañó durante varios años a Silvio Rodríguez. Desde ése entonces ha sido parte de múltiples proyectos al lado de Bobby Carcasses y otros. Además ha hecho parte de trabajos con Síntesis, Elena Burke, Alina Sánchez, Maraca, Cuarto Espacio, Tata Güines, Angá, Merceditas Valdés, entre otros. Ernán participó en dos álbumes de Amaury Pérez y el tributo a Emiliano Salvador, “A Puerto Padre”, el cual fue laureado con el premio Cubadisco 2001. También hizo parte de los homenajes a Bach y Cervantes con la Camarata Romeu.

Ernán López-Nussa estuvo galardonado en concursos nacionales e internacionales como pianista y compositor, además de ser participante en numerosos festivales y giras en países de Europa, Asia y América. Ha ofrecido conciertos en el Ronnie Scott´s de Londres, New Morning de París, Teatro Municipal de Río de Janeiro, Teresa Carreño de Caracas, Luna Park de Buenos Aires, el New Morning de Ginebra, el Jazz a la Martinique de Fort de France, el Fujiyama Jazz Festival de Japón, Festival de Jazz Dinamarca y Festival Jazz plaza de la Habana, entre otros.

Desde mediados de los años 90s hasta el 2000, Ernán López-Nussa se desempeñó como embajador de la UNICEF en Cuba.

Sus discos son “Figuraciones”, “Delirium” (2000), “From Havana To Río” (con músicos cubanos y brasileros), “Habana Report” (2001) y “Mano de Obra” (2004).

“Pancho” Terri
Legendario músico cubano con una amplia trayectoria. Siempre se le ha conocido como “Pancho”, tanto así, que tan sólo hasta los 12 años, al ingresar a la escuela, se enteró de su verdadero nombre, “Eladio”.

Terri es violinista, pero es el chequeré su instrumento predilecto y el que lo ha llevado a grandes escenarios de todo el mundo. Don Pancho Terri hizo debutar al chequeré como instrumento solitario en el Salmo de las Américas, de José María Vitier, y mostró su maestría interpretativa durante las jornadas de la Fiesta de la Cultura Iberoamericana. “Don Pancho” improvisa como un verdadero genio este extraño instrumento de origen africano y ha estado al lado de grandes músicos cubanos y agrupaciones de jazz que han incorporado este espectacular show a su repertorio.

La dinastía Terri ha traspasado las fronteras y sus hijos Giosvanny y Junior Terri son figuras indiscutibles de la nueva escena del jazz y el latin jazz en New York.

Changuito
José Luis Quintana Fuentes, más conocido como changuito, nació en enero de 1948. Es un tradicional y reconocido percusionista cubano. Fue profesor de distinguidos percusionistas como Giovanni Hidalgo, Karl Perazz y Patricio “El chino” Díaz.

Este músico ha sido parte de famosas agrupaciones que han recorrido gran parte del mundo. En 1970 empezó a tocar con Los Van Van y desarrolló el songo, ritmo que marco un nuevo rumbo en la música cubana. Se le atribuye la co-paternidad de haber incorporado la batería a la música latina y la creación de la técnica de “La mano secreta” en la tumbadora, lo que marcó un hito histórico diferenciándolo de sus antecesores como Mongo Santamaría, Patato Valdez o Candido entre otros y llevando la técnica de este instrumento a extremos inverosímiles. Los estudiosos del tema lo consideran el más completo de los percusionistas modernos y el más grande timbalero de todos los tiempos.

NOTA DISCOGRÁFICA

Luego de ser clasificados por el etnólogo cubano Fernando Ortíz, como un gran "ajiaco cultural", los cubanos nos remontamos a navegar las aguas de la llamada "Post modernidad", siendo, desde el inicio de los tiempos, una
cultura horneada en los cánones postmodernos sin más pretensiones, que la cohesión de los ingredientes fundamentales, de las vertientes etnológicas de nuestros orígenes: Africa y España.

Al escuchar la propuesta de Ernan lópez--Nussa y su: "Habana Report" catamos, con la síntesis que el abstracto mundo de la música permite, cada uno de los ritmos, géneros y sonidos que han convivido en el universo sonoro cubano de todos los tiempos, desde la fundación de "El ruido natural de la isla" en el transcurrir de la vida post colombina en Cuba, hasta llegar al instante de la cultivación exquisita que la academia de arte depura, para
suerte de estos artistas, que hoy se diseminan por todo el mundo como extracto fundamental de un referente indiscutible: La música del Caribe y sus divinas derivaciones.

Este proyecto cocina a fuego lento: La rumba con el Jazz, el Jazz con el cha-cha-cha, los viejos standars universales a tiempo de Danzón criollo.

Todo matizado por la mano de uno de los grandes pianistas de la vanguardia musical cubana: Ernán López-Nussa, en diálogo sincrético y virtuoso con uno de los mitos vivientes de la percusión cubana: el Sr.Tata Guines, grandes
ejecutantes como Chanquito y Pancho Terry, Acompañados por talentosos jóvenes, que, como Jorge Alexander y Alexander Brown herederos de lo mejor de nuestra música, nuestra academia y de nuestra cultura popular.

Si asistimos a la escucha de este proyecto, si compartimos un instante de esta maravilla, comprenderemos cuánta mixtura y originalidad posee la versátil matriz de una isla que se alimenta de su música.

TRACKLIST:

1. Amén
2. Esto no tiene nombre
3. Bye bye blackbird
4. Mack the knife
5. Tin tin deo
6. Wendy´s blues
7. Blues de Marieta
8. Tierra mía (Jazz de la tierra)
9. Archipiélago

Créditos:
- Ernán López-Nussa (Piano, Director, Areglista, coros)
- Tata Güines (Tumbas)
- Changuito (Timbales, batería)
- Pancho Terry (percusion afrocubana. Voz en Tierra mía)
- Alexander Brown (Trompeta)
- Jorge Alexander “Sagüa” (contrabajo)

Musicos invitados:
- Julio Padrón (Trompeta en tierra mía)
- Joaquin Oliveros(Flauta en Amen)
- Orlando Sanchez (clarinete en Mack the knife)
- Haydee Milanes, Eduardo Ramos (coros)

Grabado y mezclado en Estudio Abdala, La habana 2001

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Requiem de Cristóbal de Morales


Requiem a 5 voces
Cristóbal de Morales

Introitus
El Officium Defunctorum, o requiem, de Morales constituye una de sus obras
maestras. Está dividido en varias secciones y todas están basadas en una melodía
gregoriana muy antigua. Esta melodía se hace patente en ocasiones encomendada
siempre a la voz de soprano.

Requiem aeterman dona eis Domine et lux perpetua luceat eis. Te decet hymnus Deus in Sion, et tibi reddetur votum in Jerusalem: exaudi orationem meam, ad te omnis caro veniet. Requiem aeterman dona eis Domine et lux perpetua luceat eis.
(4 Esdr. 2:34-35; Sal. 64(65):1-2)
Dales, Señor, el descanso eterno,
y brille ante sus ojos la luz perpetua.
Te cantarán himnos, Dios, en Sión
y se te ofrecerán votos en Jerusalén.
Escucha mi oración,
Tú a quien todos iremos.
Dales, Señor, el descanso eterno,
y brille ante sus ojos la luz perpetua.

Kyrie
Esta es una de las pocas partes de la liturgia católica que se conservó en griego en
lugar de latín, el idioma oficial de la Iglesia Católica. Está dividido en tres partes
claramente diferenciadas.

Kyrie eleison. Christe eleison. Kyrie eleison.
Señor, ten piedad.
Cristo, ten piedad.
Señor, ten piedad.

Secuencia
La secuencia gregoriana de difuntos es una melodía muy conocida que ha servido
de inspiración a compositores posteriores como Mozart, Verdi o Dvorak. Está
escrita en el llamado “modo segundo”, que se corresponde con el sentimiento de
tristeza. Morales pone música sólo a los versos finales. De la extensa secuencia
gregoriana se interpretará sólo el fragmento inicial.

Dies iræ, dies illa, Solvet sæclum in favilla, Teste David cum Sibylla! Quantus tremor est futurus, quando judex est venturus, cuncta stricte discussurus! Tuba mirum spargens sonum per sepulcra regionum, coget omnes ante thronum. Mors stupebit et Natura, cum resurget creatura, judicanti responsura. Pie Jesu Domine, dona eis requiem. Amen.

Día de la ira; día aquel
en que los siglos se reduzcan a cenizas;
como testigos el rey David y la Sibila.
¡Cuánto terror habrá en el futuro
cuando el juez haya de venir
a juzgar todo estrictamente!
La trompeta, esparciendo un sonido admirable
por los sepulcros de todos los reinos
reunirá a todos los hombres ante el trono.
La muerte y la Naturaleza se asombrarán,
cuando resucite la criatura
para que responda ante su juez.
Señor de piedad, Jesús,
concédeles el descanso.
Amen.

Sanctus – Benedictus
El Sanctus y Benedictus son partes del ordinario de la misa que se interpretan
siempre sin solución de continuidad. El benedictus tiene un carácter más
meditativo, en claro contraste con las exclamaciones “hosanna”.

Sanctus, Sanctus, Sanctus Dominus, Dominus Deus Sabaoth. Pleni sunt coeli et terra gloria tua. Hosanna in excelsis. Benedictus qui venit in nomine Domini Hosanna in excelsis.
Santo, Santo, Santo es el Señor,
Señor Dios de los ejércitos.
Llenos están los cielos y la tierra de tu gloria.
Hosanna en el cielo.
Bendito el que viene en nombre del Señor
Hosanna en el cielo

Agnus Dei
El texto del “Agnus Dei” en las misas de difuntos es ligeramente diferente al del
ordinario de la misa. En ambos casos se repite tres veces.
Agnus Dei qui tollis peccata mundi, dona eis requiem sempiternam.
Cordero de Dios
Que quitas el pecado del mundo,
dales el descanso eterno.

Communio
Morales cierra su obra maestra con una pieza de carácter imitativo, un poco más
alegre que las demás. Se puede escuchar claramente el motivo “cum sanctis tuis”
repetido secuencialmente por todas las voces.

Lux aeterna luceat eis, Domine . Cum sanctis tuis in aeternum, quia pius es. Requiem aeterman dona eis Domine et lux perpetua luceat eis cum sanctis tuis in aeternum, quia pius es.
Brille la luz perpetua ante ellos,
junto a los Santos y para toda la eternidad,
por tu misericordia.
Dales, Señor, el descanso eterno,
y brille ante sus ojos la luz perpetua
junto a los Santos y para toda la eternidad,
por tu misericordia.

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Canta a César Vallejo - NOEL NICOLA

De Noel Nicola....

Hace unos días Isabel Parra me contó que Noel Nicola, Sergio Vitier, Argelia Domínguez y yo le hicimos compañía en un sueño. Cuenta la amiga chilena que de pronto se vio sola con Noel, que estaba vivo y sonriente, mientras ella pensaba que lo que veía era imposible.

Chabela además dice que, en el sueño, yo trataba de explicarle que todo lo que sucedía era normal, que nuestro amigo nos visitaba a menudo. Pero de pronto Noel anunció que ya tenía que marcharse. Entonces, al escucharle anunciar su despedida, mi madre le pidió, dulcemente, que no fuera a desaparecer sin antes rociarnos con lo que él sabía. Isabel, aún más sorprendida, le preguntó a mi mamá de qué hablaba. Y fue cuando Noel, sonriendo con sus dientecillos draculentos, se limitó a extraer una lata de spray y nos bañó generosamente con el misterioso líquido.

No sé por qué imaginé que lo que narra este sueño sucedía en el cuartico de la calle de San Nicolás, donde Noel vivió años fundamentales. Esta suposición me hace recordar que debo escribir al gobierno de La Habana, en nombre de los que amamos la obra del trovador, para que ponga allí una tarja que recuerde que en aquel rincón de la ciudad fueron alumbradas canciones que trascenderán los tiempos.

Mi hermano Noel nació en octubre de 1946, un mes antes que yo, y resultó el hijo único de una familia de músicos notables. Su padre fue Isaac Nicola, paradigma del magisterio guitarrístico cubano. Su amorosa madre fue la destacada violinista Eva Reyes, un día concertino de la Orquesta Filarmónica. Su tía, Cuqui Nicola, insigne profesora de guitarra.

Aunque parezca increíble, yo supe que Noel existía algunos años antes de conocerlo. Su propio padre me lo presentó de referencia. Esto fue así porque en 1963, loco por estudiar música, me presenté en el conservatorio Amadeo Roldán, que por entonces dirigía el maestro Nicola, quien tuvo a bien recibirme y explicarme, con mucha delicadeza, por qué razones el piano no se podía empezar a los 16 años. Debo haber puesto cara de abandono, porque me apretó un hombro y con una solidaria sonrisa me dijo: "Yo tengo un hijo como tú, que ahora está en una unidad de la defensa antiaérea".

Unos meses después me parecería más al hijo mencionado, cuando entré al servicio militar y me vestí de verde olivo. Pero no sería hasta 1967, salidos ya del ejército, cuando vendríamos a encontrarnos mi hipotético hermano Noel y yo, en un legendario estudio de la radio, una mañana en que el combo de Senén Suárez le grababa un bolero titulado "El Tiempo y Yo".

Pudiera decirse que la primera en darse cuenta de que a Noel y a mí nos unía un vínculo filial, fue mi hermanita Anabel, que por entonces tenía 4 años. Cierto día, mirándonos fijamente, dijo desde el suelo: "Noel usa el mismo maquillaje que mi hermano".

Pero todavía pasaría tiempo antes que mi amigo me contara quien era su papá; así que demoré en comprender que aquel "hijo en una unidad de la defensa antiaérea" era mi cotidiano compañero de trova. Cuando lo supe, no podía creer que mi elíptico hermano no hubiera recibido una clase de guitarra de su padre, siendo aquel, como se sabía, un brillante profesor del instrumento. Pero tiempo después Noel me explicó que el viejo Nicola tenía una larga reglita que descargaba velozmente sobre las manos mal colocadas. Y me contó que, viendo aquello, un día se dijo: "Que le den a otro esa lección".

A pesar de aquello, de mi generación de trovadores, Noel siempre tuvo uno de los sonidos más depurados. Usaba uñas y yemas a la vez; coloreaba, combinando diversos sonidos, llenando sus canciones de contrastes. Más tarde tuvimos la suerte de estar cerca de Leo Brouwer, uno de los compositores que más aportes ha hecho a las posibilidades tímbricas de la guitarra, quien hacía gestos aprobatorios escuchando tocar a Noel. Respecto a su voz, Nicola podía cantar tan fuerte y sostenido que siempre le pedíamos que diera las notas altas de los coros, como fue el caso del la agudo, en la muy sonada "Cuba Va". Y siempre fue, como lo demuestran las grabaciones de aquellos años, uno de los más afinados y certeros intérpretes de nuestro grupo.

A principios de 1968, Pablo Milanés me comunicó que Haydeé Santamaría nos invitaba a hacer un concierto en el marco del Centro de la Canción Protesta, en Casa de las Américas. Entonces nos pusimos a contar y comprendimos que entre los dos no teníamos suficientes canciones políticas para completar un programa.

Pero resultó que también eran los tiempos en que Noel y yo empezábamos a vernos y a mostrarnos canciones. Yo le había escuchado muy buenos temas de los que nos faltaban para completar el listado y por eso me tocó proponer que le invitáramos. De esa forma casi fortuita nació la trinidad que la noche del 18 de febrero de 1968, en esta sala Che Guevara de Casa de las Américas, hizo el concierto inaugural de lo que después sería llamado nueva trova.

En los años siguientes, Noel y yo anduvimos juntos la mar de cosas. Cantamos en actos, en centros de trabajo y de estudios, en casas de amigos y de amigas, integramos el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, fundamos el MNT. También viajamos a Chile, a España y varias veces a México, donde hicimos largas giras y muchos conciertos.

En 1974 estuvimos juntos en la República Dominicana, en el festival "7 Días con el Pueblo". Para llegar a ese país, que queda al lado del nuestro, tuvimos que ir primero hasta Puerto España, al sur de las antillas, donde pasamos varios días esperando una visa norteamericana para poder hacer tránsito en el aeropuerto de San Juan Puerto Rico. En Puerto España íbamos todos los días al cine para ver las películas de Bruce Lee, que no se pasaban en La Habana. Llegamos a Santo Domingo un día tarde, pero vivimos allí jornadas inolvidables.

La mañana siguiente de la clausura de "7 Días con el Pueblo", un coronel de la policía secreta nos invitó, muy cortésmente, a desaparecer de su territorio antes de 24 horas. Con esa urgencia fuimos a dar a Venezuela, con quien Cuba no tenía relaciones, y nos quedamos un mes. Una noche, en un cine del centro de la capital, vimos "El Ultimo Tango en París".

Recuerdo que a Noel le gustó tanto que se quedó para la segunda función, mientras yo daba una vuelta por los alrededores, buscando la estatua de Bolívar de la que habló Martí. Otra noche nos aparecimos sin invitación en casa del maestro Antonio Lauro, quien nos firmó unos discos y se puso contento de saludar a un hijo del maestro Isaac Nicola. Días después, en las afueras de San Fernando de Apure, tuvimos otro privilegio: un almuerzo en la finquita del Indio Figueredo, leyenda viva que nos agasajó con su arpa llanera, acompañado al cuatro por un hijo y a las maracas por un nieto.

Entre nuestros viajes más interesantes hubo uno, en 1976, a la República Popular de Angola, que entonces se defendía de la agresión neocolonial. Allí Noel, en las trincheras, cantaba con un AK-47 colgado al hombro. La delgada imagen de este trovador con un fusil podría resultar sorprendente para quien no le conoció. Pero, a pesar de su apariencia frágil, Noel tenía una tremenda fuerza de carácter.

Cuando nuestro grupito de trovadores jóvenes, inicialmente cuestionado, llegó a transformarse en una corriente de proporciones nacionales, las convicciones de Noel, su sentido de la responsabilidad lo llevaron a sacrificar su actividad como cantor y pasó años organizando y dirigiendo la organización que se creó, el Movimiento de la Nueva Trova. Y cuando la mayoría de sus compañeros nos dedicábamos a componer, a ensayar y a cantar, Noel trasnochaba elaborando reglamentos y estatutos, yendo de un sitio a otro coordinando encuentros y festivales. De aquellos tiempos, en la prensa se pueden encontrar artículos y análisis de su autoría, de una afilada lucidez.

Todos tenemos manías y, desde esta perspectiva, las de Noel me resultan entrañables. Cómo olvidar su poca paciencia con los insistentes picadores de cigarrillos. En el Grupo de Experimentación Sonora las broncas entre Noel y Sara González llegaron a ser un evento periódico, que empezó como un show montado por Sara y acabó como un esperado Pas de Deux.

Llegaron a sobrar las palabras. Bastaba que La Gorda se parqueara junto al Drácula y le encajara la V de la victoria en las narices. Aquel gesto de pedigüeña displicente desencadenaba llamaradas históricas. A la segunda solicitud de Sara, Nicola arqueaba las cejas y entornaba los ojos. A la tercera, le recordaba que en la bodega de la esquina los vendían. A la cuarta se hacía el sordo y a la quinta su delgadez se inflamaba para estallar en lenguas indescifrables, que suponíamos aprendidas en sus años de estudio en el Instituto de Etnología y Folclor.

Puede que algún día cuente de la exquisita pulcritud de este amigo perpetuo; o de cuando padecía cólicos nefríticos y mi madre iba a inyectarlo de madrugada; o lo que le dijo a un director de televisión que pretendió manipularlo; o sobre la reacción que hubo en un colegio de señoritas de Caracas, cuando Noel cantó: "Por ahí viene un batallón de mujeres/con un ajustador de bandera”.

Pero ahora nos reúne la presentación del disco que le prometimos, la antología para la que el propio autor escogió los 20 primeros temas, sólo unos días antes de dejarnos.

Lo cierto es que cuando supimos que Noel estaba enfermo y quizá sin remedio, empezamos a buscar pretextos para ayudarlo. Y es que nuestro amigo tenía un sentido del decoro muy estricto y no era dado a aceptar obsequios. Sin embargo sabíamos que su situación económica no era holgada y comprendíamos que por su estado de salud debía tener completamente resuelta una buena alimentación. Así que pensamos en una fórmula que fuera inobjetable a las exigencias de su pundonor.

Como diría Don Corleone, se trataba de hacerle una oferta a la que no pudiera negarse. Y la propuesta resultó ser que sus compañeros grabáramos sus canciones e invitáramos a la SGAE a apoyarnos, lo que garantizaría unas inobjetables entradas por concepto de derechos de autor.

Noel no sólo aceptó, sino que lleno de entusiasmo hizo la lista de las primeras 20 canciones. Recuerdo que cuando me la dictaba por teléfono, con su modestia irreducible me decía: "¿No serán demasiadas? Si te parece quita alguna."

El solidario Teddy Bautista aprobó el proyecto. Los viejos amigos participamos con el alma y los más jóvenes, colectores de su legado, exigieron su espacio. Músicos de diversas latitudes y variadas tendencias desearon dejar su impronta de homenaje, con el desinterés que inspira la humanidad de una obra y el mérito artístico. Ana Lourdes Martínez podría contarles mejor que yo estos detalles, por su proeza de coordinar tanta concurrencia entusiasta.

Pero llegó un día en que tuvimos que decir: "hasta aquí es este disco". Comprendimos que aquellas -estas- 37 canciones eran una suerte de provocación inicial, para después continuar estudiando la obra del artista. El hermano, narrador y músico Germán Piniella, en la nota del disco nos anuncia: "Sin temor a exagerar, puedo decir que este álbum, el legado de un hombre de su tiempo que hizo todo lo que pudo y más con las herramientas que tenía a mano, su talento y su guitarra, será considerado una de las obras más hermosas de la canción cubana".

Por mi parte considero que estas versiones son un digno acercamiento a una obra artística ejemplarmente diversa y personal. Y espero que sobre todo sirva para urgir el deseo de escuchar las magníficas y poco divulgadas interpretaciones del propio Noel.

En este disco, sin duda, escucharán canciones que les seguirán hasta los sueños; canciones que les esperarán cuando abran los ojos y que andarán con ustedes cuando vayan camino a sus quehaceres. Aquí verán a un hombre amando con intensidad y al mismo hombre combatiendo la muerte, el machismo, la burocracia, el oportunismo, la indolencia.

Aquí tendrán un atisbo del artista que descubrió a César Vallejo y lo cantó como nadie. Aquí conocerán a un practicante de todos los estilos de la música cubana y a un explorador de muchos aires universales. Aquí sabrán de elegías, preguntas, deseos; de compromisos a veces directos y otras sutiles, y de un sentido ético de profundo calado revolucionario.

Cierta vez Dulce María Loynaz escribió: "He aprendido que no puedo hacer que alguien me ame, sólo convertirme en alguien a quien se puede amar. El resto depende de los otros". Con ese mismo descontento, aunque con más esperanza, en estas canciones hay un hombre pidiendo que lo amen como es y no como se espera que sea. Aquí, en resumen, verán a un niño tiernamente asustado de las dimensiones del amor que asume.

Mi hermano Noel Nicola Reyes, en un instante de inspiración chaplinesca, se autodenominó "trovador sin suerte". Por fortuna, en la misma canción, dejó muy clara su intención irónica. Ante la altura de su obra cualquiera hubiera descubierto que, en tal afirmación, estaba felizmente equivocado.

Silvio Rodríguez Domínguez

La honda poesía de César Vallejo, estímulo continuo de poetas y críticos de nuestra América y del mundo, demuestra, una vez más , su vigencia y universalidad al trascender las fronteras de lo poético ingresando a la música popular. Con amoroso talento y sensibilidad y una profunda dedicación a la obra vallejiana, Noel Nicola ha logrado plasmar musicalmente la palabra poética de César Vallejo con toda su potencia y su ternura.

Tracklist:

  1. POEMA PARA SER LEIDO Y CANTADO
  2. INTENSIDAD Y ALTURA
  3. SOMBREO, ABRIGO, GUANTES...
  4. HECES
  5. BORDAS DE HIELO
  6. LLUVIA
  7. IDILIO MUERTO
  8. VERANO
  9. HASTA EL DIA EN QUE VUELVA
  10. TRILCE XI
  11. TRILCE XXXIV
  12. TRILCE XLVI
  13. ALTURA Y PELOS
  14. ESPAÑA, APARTA DE MI ESTE CALIZ
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No In Memoriam --------> Esbjörn Svensson Trio Seven Days Of Falling

Si de efectos se trata, el rey de los álbumes de E.S.T. es, sin duda, Seven Days of Falling. Un disco donde transición y madurez se aúnan en buena comunión, presenta un extendido uso de sonidos eléctricos y sintetizados, presencia de la electrónica, ritmos de drum'n'bass y, eso sí, un lirismo apabullante. Ya el primer corte, "Ballad for the Unborn", sumerge al oyente en terrenos contemplativos, utilizando la distorsión de contrabajo no para embrutecer, sino para embellecer. Dramatismo también presente en el puente del tema que da título al CD, cuidada armonía que discurre sobre un riff de bajo aparentemente divertido. Y de la melancolía y la meditación al sonido más industrial, de la mano del poderoso "Mingle in the Mincing Machine", una de las creaciones más originales del disco. "Evening in Atlantis" no es más que una breve introducción al inspirado "Did They Ever Tell Cousteau?", donde una lírica melodía interpretrada por el contrabajo a pizzicato contrasta con el ritmo de la batería, más cercano a conceptos de música de baile. La balada "Believe Beleft Below" cumple una doble función, ya que sirve de sexta pista del compacto en su versión instrumental, y también de tema oculto al final de "O.D.R.I.P.", en esta ocasión con la colaboración de Josh Haden (hijo del contrabajista Charlie Haden) cantando la línea melódica, y bajo el título de "Love Is Real".

Pero la obra maestra del CD (a estas alturas E.S.T. ya podía permitirse ofrecer en cada disco, como mínimo, una obra maestra) no era otra que "Elevation of Love", una pieza de deliciosa escucha, perfectamente estructurada en la que los músicos combinaban con éxito casi todos los recursos que les habían ayudado a forjarse un nombre. Cabe destacar que el solo de piano de Esbjörn Svensson es, posiblemente, uno de los mejores que jamás haya grabado. El sobrecogedor final del tema se convertía en preludio a la divertida "In My Garage", donde una corta secuencia de acordes se repite continuamente, de forma alegre y desenfadada, conformando el corte más largo del disco. "Why She Couldn't Come" nos acerca a esa visión tristona e intimista del trío, con un Dan Berglund erigido en intérprete principal, y el mencionado "O.D.R.I.P." de corte roquero daba cierre al, hasta entonces, mejor disco del grupo (algo que iba a convertirse en una costumbre de ahí en adelante).

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No In MeMoriam ----> Esbjörn Svensson Trio Plays Monk


Quien sitúe por vez primera este homenaje a otra de las grandes influencias de E.S.T., Thelonious Monk, en su reproductor de CD y pulse el botón de play, quedará cuando menos sorprendido al escuchar, de comienzo, un ritmo de batería pop y un cuarteto de cuerda creando ambiente. La fusión de estilos del trío sueco comenzaba a hacer grandes progresos, siempre con la mesura y la discreción que les caracteriza. Grabar a estas alturas un nuevo disco de tributo a Monk era una difícil tarea que podía resultar vacía en la medida en que se respetaran los originales, y caótica cuanto más se alejara uno del concepto distintivo del gran Thelonious. Svensson y compañía aportaron su visión personal, desplazando melodías ("I Mean You"), siendo fieles al swing ("Criss Cross"), rearmonizando ("'Round Midnight", versión que siguen utilizando como bis en algunos de sus conciertos) o llevando las partituras a su terreno ("Bemsha Swing" y su riff de bajo).

En cuanto al grupo, aún conservaba su denominación original ("Esbjörn Svensson Trio"), si bien cada vez se mostraba más como una banda totalmente cooperativa, con pianista y contrabajista repartiéndose los arreglos de cuerda y los tres músicos disfrutando de momentos de importancia por igual. Öström mostraba su querencia por los sonidos más rockeros sin convertirse en un típico batería de fusión sobreactuada, sino más bien en un explorador tímbrico. Berglund ganó enteros en cuanto a sonido y autoridad, y Svensson se mostró más lírico que nunca. La delicadeza con que el trío afronta las baladas, algo ya presente en los dos discos anteriores, iba a ser un elemento determinante en su paisaje sonoro. Como anécdota cabe comentar que las adaptaciones de este disco fueron las últimas versiones de standards que el grupo grabó hasta hoy.

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João Gilberto e Caetano Veloso - Ao vivo Buenos Aires

Para el diario O Globo, el más importante del Brasil,
el encuentro entre Joao Gilberto y Caetano Veloso fue histórico. "Buenos Aires se convirtió en la capital de la música popular brasileña", señaló el corresponsal. Por más paradójico que suene fue cierto. Mucho más teniendo en cuenta que a pesar del respeto mutuo, de la amistad que tienen de por medio y de un par de encuentros informales (más la grabación de aquel antológico "Brasil") Joao y Caetano nunca brindaron en su tierra algo parecido a lo que sucedió durante los tres conciertos memorables que dieron en Buenos Aires.

Posiblemente los cronistas brasileños no salían de su
asombro cuando Caetano Veloso en persona les decía que este recital no sería posible en Brasil y que no habría ningún registro en vivo para que los brasileños pudieran escuchar aunque más no sea en una grabación lo que una parte del público porteño disfrutó el fin de semana.

Los medios brasileños asistieron, algunos con sus propios enviados, y otros por medio de los medios locales El Zero Hora tituló "Tristeza sim tem fim" . El Folha de Sao Paulo también le dio la importancia del caso y desplegó en su tapa de espectáculos una foto de Caetano y Joao, en el momento en el que los dos músicos más importantes del Brasil trenzaban su arte para beneplácito de la gente.

Por tres días la alegría no sólo fue brasileña sino porteña. El enviado del O Globo escribió que "los porteños son unos afortunados". Y tuvo razón.

Extraído del Diario La Nacion, de Argentina, 23 de marzo de 1999.

CD 1

01. Eu vim da Bahia
02. Menino do Rio
03. De conversa em conversa
04. Una mujer
05. Pra que discutir con Madame
06. Rosa morena
07. Eclipse
08. Farolito
09. Isto aqui o que é.
10. Fala
11. Coraçao vagabundo
12. Pra ninguem
13. Trilhos urbanos
14. Manhata.
15. Voce e linda
16. Lamento borincano
17. Luz do sol

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CD2
01. Fala
02. Acontece que sou baiano
03. Avarandado
04. Bahia com H
05. Besame mucho
06. Meditaçao
07. Doralice
08. Ave Maria no morro
09. O pato
10. Desafinado
11. Chega de saudade
12. Garota de Ipanema

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Bossa Nova: 25 anhos Depois - HOMENAJE


Bueno les voy a decir primero que no consegui muchos datos de este disco, ni siquiera se cuando lo grabaron, pero es genial y lo queria compartir con ustedes.

Este disco es una suerte de homenaje a los grandes de la Bossa Nova de todos los tiempos, los temas son tocados a su vez por otros grandes de la Bossa Nova, Stan Getz, Joao Gilberto, Antonio Carlos Jobim, Elis Regina, Elizeth Cardoso, etc.

Entre cada tema hay una acotacion de alguno de los musicos que la tocan, hablando del tema mismo.

Se los recomiendo, a mi me encanto.

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BSO The Pink Panter - SOUNDTRACKS



Consagrado como uno de los directores más influyentes del momento después de los estrenos de Operación Pacífico, Desayuno con diamantes, Días de vino y rosas y Chantaje contra una mujer, Blake Edwards tenía en su mano el poder de la industria de Hollywood gracias a unos filmes que habían demostrado la inusitada brillantez del director para la comedia, el drama y el suspense. Edwards era un hombre muy capaz y no menos taquillero, pero aún no había llegado la película (la saga, mejor dicho) que lo haría multimillonario y que lo convertiría en una de las figuras más poderosas de los 60 y 70. Corría el año 1964 cuando se estrenó La pantera rosa (The Pink Panther), punto de partida de uno de los más rentables fenómenos de la industria norteamericana y creador de un icono moderno (el famosos felino rosado) y de uno de los más carismáticos personajes de la historia de la comedia: el incombustible inspector Clouseau (encarnado por el simpar Peter Sellers). La pantera rosa marcó definitivamente la trayectoria no sólo de Edwards-Sellers, sino también del inseparable músico que acompañó al creador de Peter Gunn durante casi toda su carrera musical: Henry Mancini.

Originariamente, La pantera rosa iba a ser un filme muy sofisticado, con un humor sutil (para ello estaba la figura del insustituible David Niven) y nada físico, prescindiendo del "slapstick". Además, se pretendía que el personaje que al final encarnaría Claudia Cardinale fuera representado por la inigualable Audrey Hepburn. Sin embargo, la definitiva negativa de Hepburn y la incorporación de Sellers al proyecto provocaron que La pantera rosa se convirtiera en un filme dual con dos caras muy diferenciadas: un parte sofisticada y elegante y otra física y desmesurada (Clouseau). Es por ello que en The Pink Panther, Henry Mancini jugó con una dualidad musical muy marcada, algo diluida en el presente "score", que obvia sin lógica alguna piezas existentes en la banda sonora del filme.

The Pink Panther es una de las mayores joyas que Mancini ha dado al mundo. Su variedad temática, la maestría compositiva y ese toque humorístico y festivo que envuelve la composición crearon escuela y provocaron un sinfín de imitaciones que no conseguían recoger el encanto especial que destila esta banda sonora tan redonda. La calidad que acompaña a este "score" continuará en la imprescindible A Shot in the Dark y, en menor medida, también en The Return of the Pink Panther, de la que la presente edición destaca algunos cortes. La banda sonora se divide en tres partes muy claramente diferenciadas: The Pink Panther Theme por un lado, que en el presente filme no funciona como "leit-motiv", sino como tema de suspense y que acompaña a todo el filme y lo dota de un misterio socarrón; una segunda parte con temas románticos y muy melódicos de enorme sofisticación; y una última parte con temas alocados que suelen asociarse al inspector Clouseau.

The Pink Panther Theme es sin duda alguna uno de los temas más versionados a lo largo de la historia. Tema de jazz que entremezcla el suspense y la seducción, aparece en los maravillosos títulos de crédito animados del filme, con esa pantera de color rosa dando vueltas a un lado y otro de la pantalla para deleite de cualquier "gourmet" de la buena comedia. Los toques de un xilófono y de un contrabajo acompañan a un saxofón que destila las archiconocidas notas que acompañan el contoneo felino del animal. Unas poderosas trompetas (parte de acción de la pieza) acompañan al instrumento de metal, dejando constancia de que el presente filme se ríe (y mucho) de las acartonadas comedias de sociedad de los años 50. La vis cómica de The Pink Panther Theme creó escuela y acabó engullendo al resto de temas que componen la banda sonora que nos ocupa. Puede que ese sea el único handicap creativo en el "score": crear una pieza tan popular y emblemática que no dejó traspasar para el gran público a unas composiciones simplemente magistrales.

La segunda parte se compone de toda una serie de temas melódicos y de un romanticismo muy sofisticado utilizados de manera diegética en el filme, pero que también definen en buena medida a los personajes. Royal Blue es una preciosa melodía que se basa en un suave saxofón que dibuja el carácter de la princesa Dala, poseedora del famoso diamante de la Pantera Rosa. Mancini intercala el instrumento de metal con unos espléndidos violines y un acordeón para evocar las distintas caras del personaje y sus conflictos interiores. Como personaje soñador que es, la canción también incluye en su segunda mitad un coro mixto que añade un punto de ensoñación a tan delicada pieza. Recurso que también aprovechará para Champagne and Quail, que se basa en postulados similares, pues aparece en la misma escena del tema anterior (el famoso Fantasma (Niven) intenta seducir a la princesa) y para Lonely Princess, tema muy afligido, el más triste del "score". En cambio, Village Inn y Cortina basan su candidez en trompetas y acordeones para representar musicalmente los maravillosos paisajes en los que transcurre el filme. De entre todos estos espléndidos temas, resalta Piano and Strings, nostálgica pieza sustentada en un piano y que lleva la genialidad de Mancini a niveles incuestionables: la sencillez más desnuda frente a la emoción más compleja. Única.

Frente a estas melodías cálidas nos encontramos un tercer apartado que se sustenta en temas ligeros y festivos, que amenizan la trama o sirven diegéticamente para acompañar las fiestas que protagonizan unos aristócratas martirizados por ese terrorista social que es el inspector Clouseau. De este bloque, It Had Better Be Tonight es el tema más popular. El "score" incluye una versión instrumental y otra cantada a cargo de un coro mixto. La primera se basa en unos violines y en unos instrumentos de percusión realmente elocuentes, acompañados por un flautín, un acordeón y una armónica. La pieza es una festiva canción de amor que evoca los engaños y desengaños que conlleva el amor, maravilloso juego nocturno en el que a veces ganas y otras pierdes. Su versión cantada, tan espléndida como la anterior, se sustenta en instrumentos similares. Es extraño, sin embargo, que en la presente edición de Buddha Records se haga caso omiso (como en otras tantas ediciones) a la versión cantada en italiano que se nos presenta en el filme y que funciona como número musical. El presente tema suena en la fiesta de la princesa Dala y es una demostración del maravilloso don de Mancini para el ritmo ligero. Otras piezas que se incluyen en este apartado son The Tiber Twist, un twist sustentado en un maravilloso solo de trompeta y similares instrumentos de metal; Something for Sellers, con un pegadizo ritmo que imita los andares peculiares del inspector Clouseau gracias a unas trompetas y a un espléndido saxofón; y Shades of Sennett, una desenfrenada pieza con un piano de "saloon" maravilloso que dota de vida a la escena más alocada del filme, evidente homenaje al cine de Mark Sennett, uno de los directores cómicos del cine mudo más famosos y padre espiritual de Edwards.

The Pink Panther es indudable que es uno de los trabajos más populares e influyentes de Henry Mancini. No difiere en exceso del estilo sofisticado que el autor inauguró con Breakfast at Tiffany´s, pero el tema central ha trascendido tanto en la historia del cine, que es una banda sonora que ha quedado como un hito imperecedero. Mancini volvería a dar en la diana con A Shot in the Dark, secuela que supuso un paso evolutivo musical con respecto al presente "score", y con su tercera parte. Sin embargo, en posteriores entregas Mancini se acomodaría demasiado en la saga, buscando sólo la efectividad y sus geniales trabajos deberemos buscarlos en otras producciones con o sin Edwards.

TRACK LIST:

  1. The Pink Panther Theme (2:39)
  2. It Had Better Be Tonight - Instrumental (1:47)
  3. Royal Blue (3:13)
  4. Champagne and Quail (2:47)
  5. Village Inn (2:37)
  6. The Tiber Twist (2:51)
  7. It Had Better Be Tonight (1:59)
  8. Cortina (1:55)
  9. The Lonely Princess (2:29)
  10. Something for Sellers (2:49)
  11. Piano and Strings (2:36)
  12. Shades of Sennett (1:28)

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BSO Woman on Top - SOUNDTRACK


Isabella, una seductora hechicera nacida con un don especial para derretir los paladares y los corazones de los hombres en todas partes. Cuando decide liberarse de un matrimonio arruinado y de la rigidez de la cocina del restaurante de su marido en Brasil, desaparece y se va a San Francisco para hacer realidad sus sueños siguiendo su carrera culinaria.


Después de empezar una nueva vida en una nueva ciudad, Isabella se encuentra con Mónica, su exuberante amiga de la infancia a la que le gusta travestirse, que se une a la aventura de Isabella para descubrir no solamente su pasión y su potencial, sino la receta perfecta para llegar a ser la Número Uno.




  • Primera película rodada en inglés de Fina Torres, realizadora venezolana autora de Orianna y Mecánicas celestes.
  • Está protagonizada por Penélope Cruz en su primer personaje como protagonista para el cine norteamericano.
  • También intervienen la estrella del cine brasileño Murilo Benício; Harold Perrineau, jr. y Mark Feuerstein.
  • La música brasileña desempeña un papel muy relevante y la directora se pasó dos años buscando las canciones que se incluyen en la película.
  • El autor de la banda sonora es Luis Bacalov, ganador de un Oscar con El cartero (y Pablo Neruda).

TRACKLIST:
  • Paulinho Moska - A Flor E O Espinho
  • Paulinho Moska - Falsa Baiana
  • Lenine - O Ultimo Por Do Sol
  • Maria Creusa - Obsessao Nao Me Diga Adeus Pois E A Flor E O Espinho
  • Paulinho Moska - Nos Bracos De Isabel
  • Geraldo Azevedo - Berekeke
  • Dori Caymmi - E Doce Morrer No Mar
  • Paulinho Moska - Sonho Meu
  • Moraes Moreira - Acordei
  • Paulinho Moska - Cinzas
  • Baden Powell - Chao De Estrelas
  • Cyl Farney And Norma Bengell - Voce
  • Paulinho Moska - Falsa Baiana BossaCucaNova Re-Mix
  • Xavier Cugat His Orchestra - Brazil Aquarela Do Brasil


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Desde México Para Siempre...Ché


Dos dí­as antes del aniversario XXX del asesinato de Ernesto Guevara en Bolivia, el martes 7 de octubre se presenta en concierto Desde México para siempre Che, grabación de Discos Pentagrama con Oscar Chávez, Los Folkloristas, Rodolfo Mederos, Armando Chacha, Delfor Sombra, Jorge Buenfil, Carmina Cannavino, Luis Carlos López Maico y el grupo regiomontano La Trenza, en el Museo de Culturas Populares de Coyoacán.

Son 11 composiciones, 9 de las cuales se escribieron especialmente para el aniversario del guerrillero argentino. La edición incluye testimonios, entrevistas con el Che y fotos inéditas que le tomara Rodrigo Moya en 1965.

Explica Modesto López, gerente de Pentagrama:

"Es un disco que en México teníamos que hacer por la vigencia del Che, ya que la situación política y de injusticia sigue igual y se han perdido grandes valores de la humanidad. Por ello es importante tener al Che y su coherencia, ejemplo de actitud, presencia y honestidad".

Hasta siempre, comandante

Oscar Chávez interpreta Hasta siempre del cubano Carlitos Puebla, quien falleciera en julio de 1989, guajira-son con el coro, tal vez la pieza más célebre sobre el Che:

Aquí se queda la clara, la entrañable transparencia de tu querida presencia, comandante Che Guevara.

"Estuve en el Festival de Canto de Protesta en La Habana en 1967, ahí­ conocí esta guajira del autor y su grupo, Los Tradicionales. La cantó con los estudiantes del 68 y en Bellas Artes, por cielo, mar y tierra. Chamín Correa hizo el arreglo y la grabó en 1967 para mi primer disco sobre canción latinoamericana en Polydor, Latinoamérica Canta", relata Oscar Chávez.

Para este proyecto, el actor de Los caifanes compuso la milonga Trashumante, "una loa, alabanza al Che presente, actualizándolo de alguna manera", ya que "se juzgue lo que se juzgue, es innegable la presencia de un personaje tan cierto, tan honesto, tan romántico, duela a quien le duela":

Mi comandante Che, mi general Che, mi coronel Che, mi capitán Che...

El disco incluye una versión inédita de Zamba del Che, que hiciera popular el chileno Víctor Jara, compuesta por Rubén Ortiz de Los Folkloristas, en grabación original que data del invierno 1967:

Selvas, pampas y montañas; patria o muerte su destino... Bolívar le dio el camino y Guevara lo siguió. Liberar a nuestros pueblos del dominio explotador.

Se incluye La zamba para no morir, preferida del Che en sus días finales de Bolivia, con letra de Hamlet Lima Quintana hacia 1962, en sorprendente interpretación de Delfor Sombra (nacido en Las Pampas hacia 1945):

Romperá la tarde mi voz hasta el eco de ayer. Voy quedándome solo al final, muerto de sed, harto de andar, pero sigo creyendo en el sol vivo...

"José Hernández dice en boca de Martín Fierro que el cantor debe procurar cantar con fundamento y muchos de nosotros crecimos con esa idea. Y recuerdo que en 1959 fue a Cuba un periodista mexicano, amigo mío, para cubrir la Revolución Cubana. Se dio cuenta después de muchos meses allí que deseaba ser revolucionario. El Che le preguntó: '¿Y vos qué haces, mexicanito?' 'Periodista, comandante', respondió el hombre. 'Bueno, si querías ser revolucionario tenés que ser un buen periodista'. Hago la relación con Martín Fierro, pues lo que nos convoca para este disco es precisamente cantar bien y eso significa hacerlo como la lucha del Che: con fundamento y razones de futuro", declara Delfor.

Credo a Guevara

Carmina Cannavino (nacida en Lima, Perú, en 1962, pero naturalizada mexicana tras su llegada aquí hace 12 años), escribe Credo al Che, del peruano Angel Chacón:

Padre Che que estás en la tierra, por los siglos de los siglos, así sea. Con tu morada de semilla verdadera, bienvaventurando los caminos.

"Es un landó, género de la costa del Perú, con aire de vals peruano, moderno. Quise hacer una cosa muy simple desde mi visión como mujer y partí de una frase del Che, en carta que envía a su tía Beatriz, donde se despide: 'Ernesto, el de la salud de hierro y el estómago vacío'. El Che es más que sí­mbolo; es un ejemplo a seguir, de grandiosa personalidad. Es el Quijote de nuestra época, tuvo un amor inmenso por la humanidad y América Latina, alguien extraordinario, que aparece como un iluminado cada siglo".

Caminos del Che

En Desde México para siempre Che participan los regiomontanos del grupo La Trenza, así como uno de sus fundadores como solista, Maico, nacido en 1973, quien expone:

"El Che está muy presente en el Norte y adquiere significación especial por la penetración notable de los yanquis. Monterrey ha sido siempre muy difícil de navegar en los espacios de arte; afortunadamente hemos corrido con suerte en once años desde que fundamos La Trenza, pues hay un movimiento muy grande y calidad de intérpretes."

El movimiento de estos cantautores regiomontanos se llama Trova de Extremadura, nombre como se bautizó al agreste valle de Tamaulipas, con sede desde hace diez años en La Casa de Pancho Villa, al centro de Monterrey. La Trenza abre el disco con Para aquel que falta, a ritmo de 6 x 8 de Ricardo González y Gerardo Rodríguez:

Es a ti que miraste la tierra desangrada y en tu cuerpo el dolor clavó su espina; vuelve y sigue peleando junto a los dioses del pasado...

Por su parte, Maico hace La bombilla, con frases breves:

Noche estrellade, noche de Bolivia; poncho negro, beso eterno de oscuridad... Lunas, fusil, tabaco, Che Guevara; mate amargo en Santa Clara, cañaveral.

Armando Chacha (Santiago Tuxtla, Veracruz, 1956), canta su "minueto libre", 30 años después. Cuenta que su padre se enteró de la muerte del Che leyendo revistas como Alarma! y lo informó a su familia:

Dicen que mataron al Che. Yo no lo creo, no creo que sea cierto...

"De lo que hablo es precisamente cómo gente como mi padre, sin formación política de izquierda, de militancia, se constituye una imagen y un mito del Che. Para mí representa la lucha por la libertad, la rebelión contra la injusticia, creer en la esperanza del hombre, un mito que se renueva."

Rafael Mendoza (DF, 1960) canta su son mexicano Quién pudiera.

Hoy, qué le dice tu rostro a aquel joven que empieza a vivir? Hoy, qué le dice a los miles y miles que apuestan tan sólo a vivir?

"Me costó mucho trabajo hacer este son, porque el Che es un personaje complejo, delicado. Es un mito y corres riesgo de caer en apologí­a y elogios; pero 30 años de distancia enseñan mucho. En mi canción lo veo de carne y hueso, no como una leyenda; es lo que nos dice ahora, la importancia de creer en la utopí­a", refiere Mendoza.

El yucateco Jorge Buenfil brinda su bambuco La dulce rabia, en alusión al subcomandante Marcos y los zapatistas:

San Ernesto de la Higuera, ya brotan tus frutos en mi tierra...

El bandoneón de Rodolfo Mederos (Buenos Aires, Argentina, 1940) presenta El hombre que sueña, con su quinteto.

"Acepté gustoso al proyecto porque la figura del Che es una figura decisiva en la historia de Latinoamérica.

Creo en la idea de justicia y su conquista por medio de otras maneras de organización entre los seres humanos. Me puse a trabajar en una música absolutamente instrumental ejecutada por mi quinteto, un poco el tributo al Che y otro poco a la esperanza de la humanidad. Es un homenaje a su soledad y su fortaleza."

Entre los testimonios del disco, se hallan los recuerdos del padre del Che; Zoraida Baluarte, amiga peruana del guerrillero; Isaí­as Silva, paciente del Che, así como discursos de Fidel Castro y la propia voz del Che desde Sierra Maestra. Está asimismo la carta del Che, que inspiró a Carmina su Credo (lectura de José Antonio Rodrí­guez); un largo fragmento del poema Pensamientos del argentino Juan Gelman y un texto de Julio Cortázar, en voz del productor del proyecto, Modesto López, entre otros.

Tracklist:

  • Para Aquel Que Falta [Grupo La Trenza] - 3:22"
  • Habla El Padre Del Che [Ernesto Guevara Lynch] - 1:52"
  • El Hombre Que Sueña [Quinteto Rodolfo Mederos] - 7:28"
  • Hablan Zoraida Boluarte (Amiga Peruana), Alberto Granado (Amigo) E Isaias Silva (Paciente Del Che) - 2:59"
  • Credo Al Che [Carmina Cannavito] - 4:00"
  • Carta A Su Tía [Leído Por Antonio Rodríguez], Habla Rodolfo Romero (Amigo Guatemalteco) - 1:48"
  • Quien Pudiera [Rafael Mendoza] - 3:04"
  • Habla Arsacio Venegas (Instructor Físico De Los Expedicionarios De Granma) Y Fidel Castro - 3:56"
  • La Bombilla [Maico] - 4:06"
  • Carta A Su Madre Leído Por Alejandro Rodríguez - 1:20"
  • La Dulce Rabia [Jorge Buenfil] - 2:57"
  • Habla Fidel Castro - 3:18"
  • Zamba Para No Morir [Delfor Sombra] - 3:28"
  • Habla Carmen Flores Y Antolín Martínez - 0:54"
  • 30 Años [Armando Chacha] - 3:47"
  • Texto De Julio Cortázar Leído Por Modesto López - 1:41"
  • Trashumante [Óscar Chávez] - 3:27"
  • Fragmento De ''pensamientos De Juan Gelman'' - 5:58"
  • Zamba Del Che [Rubén Ortiz Y Los Folkloristas] - 3:23"
  • Carta De Despedida A Fidel Castro, Leído Por Fidel (1965) - 5:05"
  • Hasta Siempre [Óscar Chávez] - 4:23"
  • Discurso De Fidel Sobre El Che (17 Oct 1967) - 1:12"

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    Acerca de Mí:

    Nacido en un día de invierno de un año cualquiera a la luz de un eclipse de luna, este trovador comenzaría sus pasos artísticos a los 3 años, cuando, se le presentó la oportunidad de manejar a su antojo y con educación autodidacta el difícil arte del TAMBOR DE HOJALATA.


    Más tarde, comenzó a ver la vida en colores cuando su madre lo inscribió a un curso de pintura artística... Después surge un ciclo de re-definición, llegando a la edad de 10 años forma parte de un programa de radio titulado "Vamos a hacer la radio".


    A los doce años, lo encontramos aprendiendo a tocar lo que será el amor de su vida: la guitarra. Funda el magnífico trío de guitarras "El Trío Miseria", junto a sus hermanos Carlos Chávez e Ivick Guerra.


    Entra a la rondalla de la secundaria a la vez que entra a la vida coralista dentro del "Orfeón Interuniversitario de Puebla", bajo la dirección de José Antonio Rincón Rincón; llevando a nuestro trovador hacia una educación formal dentro del mundo musical.


    Comienza la carrera de Técnico en Música, y se inscribe en la materia de guitarra con la gran concertista rusa Nadezdha Borislova Borislovovna, mejor conocida como Nadia Borislova. Ella le enseñó algo más de la música, haciendo un significante importante para él la música de Héctor Villalobos.


    Después, descubre a Silvio Rodríguez (quien es realmente su maestro en el mundo trovero, aunque silvio no lo crea), a Noel Nicola, a Vicente Feliú y otros, lo que hace que él se sienta heredero de esa gran tradición trovadoresca.


    Se inscribe en la carrera de Ingeniería Mecánica, y en su escuela, funda el grupo "Círculo Trovero" con el cual hará varias presentaciones dentro y fuera de la ciudad. Esta agrupación está basada en los fundamentos de lo que fué en algún día el GES del ICAIC.


    Pasados dos largos años, encuentra fascinado el mundo de la Bossa Nova, con lo cual, a través de estudios autodidactas, encuentra la técnica para tocar mejor este género de la MPB (música popular brasileña).